03/03/2008

The Clash – London Calling (1979) [#12]

TheClashLondonCallingalbumcoverRéduire The Clash au mouvement punk de 76-77 serait une grave erreur. Sans aucune critique quant à leur influence respective, un morceau de Clash comporte plus d'idées que la carrière entière (courte, mais quand même) des Sex Pistols. London Calling, leur troisième album, est aussi leur plus célèbre, et le pivot de leur évolution.

Il débute par l'iconique morceau titre, un des tous grands classiques du punk et du rock en général. Mais c'est un des rares morceaux directs d'un album qui tire dans tous les sens, souvent avec une grande réussite. On connaît son rythme implacable, la voix de Joe Strummer, qui chante comme si sa vie en dépendait (une constante) et ses paroles. Personne ne défendra la working class comme lui, comme eux. Un groupe en qui on pouvait croire, notion totalement disparue de nos jours.

Musicalement, Clash s'éloigne d'un certain nihilisme prôné par d'autres formations de l'époque. Leurs racines sont clairement dans le rock 'n roll classique (Brand New Cadillac) mais ajoutent, de manière innovatrice, beaucoup de cuivres, pavant le chemin pour un style musical toujours présent aujourd'hui (avec plus ou moins de réussite) : le ska. Rudy Can't Fail, The Right Profile en sont d'excellents exemples. De même, on peut perçevoir des éléments reggae (Guns Of Brixton), qui iront plus tard jusqu'à constituer la majeure partie d'un (triple) album, Sandinista!.

Clash ne recule devant rien, quitte à surprendre, voire aliéner. L'album est fort long (dix-neuf morceaux) et fort varié, comme peuvent encore en témoigner le mélodique et réflexif Lost In The Supermarket ou The Card Cheat, où se cotoyent piano et trompette. Punk, peut-être, mais si peu réducteur. Le puissant Train In Vain conclut un album phare, monumental.

London Calling peut avoir des défauts, ils n'ont pas d'importance. Parce que son statut les transcende. Il est trop important, trop crucial dans l'histoire et la compréhension non seulement du rock, mais de la société elle-même, pour s'arrêter à ces aspects. Tout ça sans même évoquer la pochette.


Clampdown

22:05 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1979 |  Facebook |

23/11/2007

Bob Dylan - Blood On The Tracks (1974) [#47]

BloodTracksCoverCe qui est intéressant, avec ce système de tirage au sort d'albums, c'est que je peux m'intéresser à des disques que je n'aurais pas eu l'idée d'écouter. C'est le cas ici, je ne suis pas un grand appréciateur de la musique de Dylan, que je respecte, surtout pour la conscience sociale de ses débuts. Blood On The Tracks, sorti en janvier 74, est son quinzième album, et fut considéré à l'époque comme un retour en forme, et est toujours une référence maintenant, comme un de ses derniers grands albums.

Blood On The Tracks est un album de blues/folk, dominé évidemment par la guitare acoustique et la voix nasale de Dylan, aidé par une instrumentatation discrète mais efficace. Les morceaux sont tous liés thématiquement, et tournent autour de l'amour, et de ce qui en découle, ou du moins les aspects négatifs. Dylan se montre en très grande forme lyrique, comme en attestent Shelter From The Storm, où l'épique Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts et sa narration complexe ; alors que le doux You're A Big Girl Now est plus tranquille et simple.
 
Dylan est en roue libre, jouant avec facilité sur ses talents de narrateur et de parolier : il ne cherche pas à se considérer comme un grand chanteur, de toute façon. Blood On The Tracks est un album parfait en tant que tel, mais qui ne touchera pas ceux pour qui Dylan n'a qu'un intérêt somme toute relatif, parce qu'on ne peut pas dire que tout cela est très varié. Maintenant, qui arrive à sortir un album pareil pour son quinzième?

Shelter From The Storm
 

17:49 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1974 |  Facebook |

05/10/2007

Joy Division - Unknown Pleasures (1979)

UnknownpleasuresAlors qu'on approche le trentième anniversaire du premier album de Joy Division, différents événements nous évoquent le groupe. La sortie du film Control, réalisé par Anton Corbijn, mais aussi la mort de Tony Wilson, le légendaire propriétaire de Factory Records et celui qui a découvert et popularisé Joy Division. Ces raisons sont amplement suffisantes pour se plonger dans un groupe exceptionnel, qui influence toujours des tonnes de groupes, notamment Interpol ou Editors.

Joy Division, c'est surtout Ian Curtis, génie disparu trop tôt, comme souvent. Il s'est pendu à 24 ans, d'une manière tristement prévisible. La musique, et les textes de Curtis n'étaient pas très marrants, et ont fini par être prophétiques. Unknown Pleasures, premier des deux albums du groupe, est sombre, glacial, romantique et mélancolique.

Ce n'est même pas la peine d'isoler un morceau, tant c'est l'ensemble qui est important, qui est impressionnant. La batterie métronymique et truffée de reverb, la basse lead de Peter Hook et les coups secs et brusques de la guitare de Bernard Sumner ont été fabuleusement mis en valeur par le producteur Martin Hannett, qui a créé une atmosphère tellement désagréable qu'elle en devient attirante. La voix de Curtis plane au dessus de tout cela, comme un Jim Morrison conscient de sa propre mortalité. Il suffit d'écouter la fin de Day Of The Lords, avec Curtis qui répète "Where will it end?" sans fin. Curtis, qui à une vingtaine d'années, était déjà capable d'écrire une terrible réflexion sur la vieillesse, le temps qui passe : Insight.

L'intensité ne diminue jamais, que dire de New Dawn Fades, de She's Lost Control (avec un intro électro en avance sur son temps), du caverneux Shadowplay. Le final enfonce le clou, si l'on peut dire : I Remember Nothing, 6 minutes puissantes, pleines de vie, de mort, de tout ce qu'il y a entre les deux. On dit souvent que certains albums peuvent changer une vie, ce qui est généralement ridicule, ou alors, ça prouve que la vie en question ne valait pas grand chose. Unknown Pleasures a changé des vies, et va encore continuer à le faire.


Interzone

01:32 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : 1979 |  Facebook |

26/09/2007

Blondie - Parallel Lines (1978)

Blondie_-_Parallel_LinesÀ l'heure qu'il est, on doit sans doute être en train de remasteriser/fouiller les archives pour l'édition spéciale 30 ans à venir l'an prochain. Qu'importe, Parallel Lines est un de ces albums qui ne sonnera jamais daté, autant en parler maintenant. Pour des raisons imbéciles et sexistes, Blondie évoque souvent seulement Debbie Harry, et le reste, on devrait s'en foutre pas mal. Ben non, on ne s'en fout pas, parce que non seulement c'est un des meilleurs albums des seventies, mais aussi et surtout un précurseur New Wave qui fera encore des vagues vingt ans plus tard, quand des gosses new yorkais pas encore appelés The Strokes trouvent l'album par hasard.

Il suffit de comparer le premier - et meilleur - album des Strokes à ceci. Même désintéressement apparent et froid du vocaliste, mêmes guitares acérées et minimalistes, même rythme sec, même basse bondissante. Avec des différences, forcément, mais l'influence est telle qu'il est impossible de ne pas la remarquer. La pochette d'Is This It, malgré la tentative, restera nettement moins iconique que celle de Parallel Lines, qui voit la reine de glace, Debbie Harry, devancer ses discrets compères (dont même le look inspirera les Strokes) sera devant un fond de lignes parallèles noires et blanches. Un classique.

Debbie Harry, donc. Sex appeal sur vinyl (ou cassette, ou cd, même sur mp3). Il suffit de l'écouter sur One Way Or Another, et puis se demander ce qu'on a pu trouver à Madonna. Quand elle ne prend pas ce ton détaché, elle subit l'influence des groupes pop 60s (Picture This) ou se lance dans le légendaire falsetto démoniaque de Heart Of Glass. Mais malgré ce dernier, Parallel Lines n'est pas pop pour un sou : même s'il reprend quelques uns des tubes du groupe, on retrouve suffisamment d'innovations étonnantes, comme l'intro synthé/guitare immense de I Know But I Don't Know, 1978 personnifié, les beats (oui, beats) de Fade Away And Radiate ou le heavy metal vs le thème de Batman (série TV) qu'est Will Anything Happen. Ou le rock n roll pur I'm Gonna Love You : pas innovant mais totalement jouissif. Un seul point noir : du au succès en club du 12" Disco Remix de Heart Of Glass, quasi toutes les versions de l'album comprennent ce remix, inutilement alongé. Mais cela tient plus du détail.


Parallel Lines est un album stupéfiant, qui, s'il devait sortir la semaine prochaine, ne perdrait rien de sa fraîcheur, ce qui représente un cas de figure excessivement rare. Définitivement un des meilleurs albums de la période, et dont l'influence ne s'est jamais démentie à ce jour.
 
 
I Know But I Don't Know 

10:00 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1978 |  Facebook |

28/03/2007

Black Sabbath - Paranoid (1970)

paranoid

J'aurais pu choisir indifféremment n'importe quel des quatre premiers albums du groupe, tant ils approchent tous de la perfection. Il est d'ailleurs excessivement rare de trouver quatre albums successifs aussi bons. Paranoid est le second, et est celui qui comprend leurs morceaux les plus reconnaissables, dont celui d'ouverture, War Pigs. Morceau ouvertement anti-guerre, son intro jammée suivi de sirènes est devenue légendaire. Légendaire aussi, la voix d'Ozzy Osbourne (le vrai, pas le vieux monsieur malade), et le rythme Black Sabbath, très heavy mais rarement rapide : le stoner rock est né. Il suffit d'écouter Songs For The Deaf, de Queens Of The Stone Age, et on comprend très vite d'où ils viennent, et où Dave Grohl a appris à jouer de la batterie.

La suite est encore plus extraordinaire, avec le fameux Paranoid, pourtant très atypique, par sa vitesse et sa brièveté; et Planet Caravan, morceau psychotropico-psychédélique assez intense. Iron Man clôture la première moitié de l'album, et on défie quiconque de trouver quatre morceaux d'un même album autant repris par la suite. C'est peut-être Iron Man qui est le morceau le plus reconnaissable de Black Sabbath, grâce à un riff immense, et, si je ne l'ai pas encore dit, légendaire.
La seconde moitié, même si elle n'apparaîtra pas dans Guitar Hero III, vaut le déplacement : Electric Funeral a un des riffs les plus étranges jamais composés, alors que Hand of Doom a peut-être donné son nom au doom metal. Le groupe a inventé un son, le genre de son qui révolutionne le monde, et crée des dizaines de genres et sous-genres. Et tout cela par hasard : Tony Iommi a simplement diminué la tension des cordes de sa guitare, pour faciliter le jeu de sa main meurtrie. Voilà le résultat.

Paranoid n'est pas seulement un des albums les plus importants de l'histoire du metal, il est aussi et surtout étonnamment actuel. Contrairement à beaucoup de précurseurs, il ne sonne ni daté ni brouillon, et on peut facilement comprendre l'adoration dont il est objet. Le groupe sortira encore deux albums fabuleux, avant de commencer une longue descente, évidemment aux enfers, qui amènent les membres du groupe à toujours subsister bon gré mal gré, année après année, jusqu'aujourd'hui. Mention spéciale tout de même à Ozzy Osbourne, jadis Prince des Ténèbres et aujourd'hui pantin très désarticulé.

Henry Rollins le dit mieux que quiconque, quand il déclara un jour que Katrina (l'ouragan qui dévasta New Orleans) aurait du s'appeller "The First Four Sabbath Albums".

01:53 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1970 |  Facebook |

21/02/2007

Sex Pistols - Never Mind The Bollocks Here's The Sex Pistols (1977)

Nevermind

Never Mind The Bollocks Here's The Sex Pistols n'est foncièrement pas terrible, et pour avoir soi-disant lancé le mouvement punk, il n'est même pas le premier dans le domaine. Il n'empêche, il est, et reste, un des albums les plus importants de tous le temps. Autant tordre le cou aux mauvaises langues (et aux mauvaises doubles métaphores) : que ce soit le groupe lui-même, Malcolm McLaren ou le pape qui a créé les Sex Pistols, on s'en fiche, ce qui compte c'est le produit fini, et son impact inouï.

D'abord, le nom du groupe et le titre de l'album touchent tous deux aux tabous bien actifs à l'époque, le sexe et la vulgarité. Ensuite, les deux premiers singles (et les meilleurs morceaux ici) : God Save The Queen (rime suivante :"the fascist regime") et Anarchy In The UK (et son légendaire "no future"). Et puis, la musique, alliant riffs rock n roll à la voix traînante et aggressive de Johnny Rotten, et évidemment l'attitude, chambres d'hôtel en moins.

L'album commence fort : Holiday In the Sun fait d'emblée une référence aux camp de concentration de Belsen-Bergen, avant que Bodies ne parle d'avortement (encore pas facile maintenant, alors en 77...). La suite est du même acabit, se terminant avec EMI, cinglante attaque (ô combien d'actualité) sur un des futurs Big Four, vampires de la musique moderne. Évidemment, les deux singles marquent l'album, ainsi que d'autres excellents brûlots, comme Problems.

Alors, oui, tout cela est limité musicalement, les morceaux se ressemblent un peu/beaucoup, on a quand même un tiers de potentielles faces B, l'humour puéril de Rotten peut fatiguer (Pretty VaCUNT, ok, on a pigé), et la recherche constante de la confrontation n'est pas des plus subtiles (The Clash arrive, ceci dit). Mais on ne fait pas une révolution avec des nuances.

Never Mind The Bollocks a crée le premier trou générationnel au sein même du rock, et à permis de relancer une machine qui commençait, paradoxalement, à s'embourgeoiser. Les tendances musicales évolueront, certains appelleront même punk des clowns à la Offspring ou Blink-182. Mais rien ne changera l'importance d'un album qui n'a pas changé la musique, mais la société elle-même.

14:00 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (4) | Tags : 1977 |  Facebook |

14/02/2007

Queen - A Night At The Opera (1975)

queen

En 1975, Queen comptait déjà trois très bons albums, et n'avait plus qu'à sortir l'album classique, le chef d'oeuvre, celui qui allait les définir pour les décades à venir. A Night At The Opera, donc. Extrêmement varié, osé tout en restant assez accessible, ANATO reste, plus de trente ans après sa sortie, un objet curieux et très attirant.

Le début est assez violent, avec Death On Two Legs, attaque non déguisée contre le premier manager du groupe, accusé d'avoir volé le groupe (Queen a toujours été proche de ses sous, on y reviendra). Après cette tranche de hard rock menée par la voix indescriptible de Freddie Mercury, on ne saurait pas faire plus différent, avec Lazing On A sunday Afternoon, typquement le genre de morceau que seul Mercury pouvait sortir sans être ridicule. Dans le genre ridicule, I'm In Love With My Car ose, parce qu'une chanson d'amour sur une bagnole, chantée par le batteur Roger Taylor (et sa voix encore plus haute que Freddie), faut le faire. Mais ça marche.

Pour faire encore plus varié, arrive ensuite une composition du bassiste John Deacon, le très doux You're My Best Friend, pétri de bonnes intentions. Le cinquième morceau, écrit et chanté par le guitariste Brian May (qui passera le plus clair des années 90-00 à ridiculiser son groupe, mais bon), bat tous les records : '39 raconte l'épopée d'astronautes, qui reviennent sur Terre en découvrant un continuum espace-temps différent. Ou quelque chose comme ça, May est docteur en astronomie, pas moi.

On peut déjà remarquer que les quatre membres contribuent séparément à l'écriture des morceaux, ce qui créera d'intenses dissensions et disputes en ce qui concerne les royalties. tout cela ne sera réglé qu'avec The Miracle (1989) où le groupe co-signe officiellement chaque composition. Retour à l'album, et retour au bon gros riff ac/dcien, avec Sweet Lady, puis un nouveau virage à 180°, Seaside Rendezvous et les envolées vocales incomparables de Freddie Mercury, qui joue avec sa voix un orchestre entier. The Prophet's Song enfonce le clou, 8 minutes de pure bizarreries limite prog rock, et des multi-tracked vocals en veux-tu en voilà. Il manquait encore un morceau jazzy joué à l'ukulele, et c'est exactement ce qu'est Good Company. Ensuite, l'album se clôture tranquillement, avec un morceau très discret, appelé Bohemian Rhapsody.

Que dire sur Bohemian Rhapsody qui n'a pas encore été dit, et redit? Que c'est la preuve qu'un morceau peut être très complexe et pourtant connaître un gros succès commercial. Que le morceau est composé de six parties, toutes différentes et techniquement difficiles. Que le headbanging du solo de guitare est un des moments classiques du rock n roll. Que Queen tenait son morceau légendaire, son A Day in The Life, son Stairway To Heaven. En mieux. Juste une petite info, en passant : il a fallu trois semaines pour enregistrer les quelques secondes de la partie "Galileo". Enfin, l'album se clôture, comme tous les concerts de Queen jusqu'à ce jour, par la réinterprétation du God Save The Queen.

Queen ne s'arrêta pas en si bon chemin, car ils continuèrent à sortir toute une série d'excellents albums, jusqu'à News Of The World. Ensuite, il faut pêcher deux ou trois morceaux par disque, mais Queen n'a jamais sorti d'album très mauvais, même le posthume Made in Heaven est assez correct. Évidemment, il faut apprécier le glissement du groupe du hard rock au rock à synthés plus commercial, mais même pour les puristes,la carrière de Queen est remplie d'excellents moments, qui les définissent comme un des plus grands de tous les temps, sans aucun doute.

14:00 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1975 |  Facebook |

12/11/2006

Ramones - Ramones (1976)

Ramones

On passera sur la question sans aucun intérêt de qui a inventé le punk, pour s'attarder sur un des albums majeurs de la genèse du mouvement (ils seront tous chroniqués ici tôt ou tard). Les quatre Ramones ont réinventé le monde musical d'une manière que peu de monde l'a fait depuis, et pour deux raisons majeures : d'abord, ils ont eu le génie de mélanger musique "dure" et pop, refrains mémorables sur riffs métalliques. Ensuite, vu leur légendaire limitation technique (qui n'était d'ailleurs pas si grande), ils ont montré que n'importe qui pouvait prendre une guitare et former un groupe, ce qui a évidemment permis de créer des centaines de groupes, dont certains tout à fait majeurs (il suffit de regarder la liste des artistes qui ont participé à l'album hommage We're a Happy Family).

L'album éponyme est le premier d'une terrible série de huit albums excellents (la suite fut moins glorieuse), et peut-être le meilleur (Leave Home et Rocket To Russia ne sont pas loin). Rien n'est à jeter ici, que ce soit les morceaux punk prototypiques (Blitzkrieg Bop, Now I Wanna Sniff Some Glue, Beat On The Brat) à ceux plus lents (I Wanna Be Your Boyfriend, qui aurait pu être une production Spector pour les Ronettes).

Tenter de décrire ce disque est inutile, il faut l'écouter pour comprendre, car l'alchimie entre les regrettés Johnny (guitare), Joey (chant) et Dee Dee (basse) est unique dans l'histoire du rock n roll, et a permis d'en faire un de ses meilleurs représentants.

Pendant ce temps, à New York, le jeune Ian MacKaye préparait, casque sur les oreilles, l'étape suivante alors qu'à Londres, Joe Strummer et Malcolm McLaren avaient leurs propres idées... J'y reviendrai.

00:59 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (2) | Tags : 1976 |  Facebook |