21/03/2009

Hiatus de durée indéterminée

Plutôt que de changer d'avis autant de fois que Wes Borland, j'ai préféré mettre RMB en pause.

Des explications plus précises sur ce que je fais maintenant peuvent être lues ici.


Bien sûr, je me réserve le droit de changer d'avis demain, dans trois mois, dans cinq ans.

Je vais juste *peut-être* terminer le projet Blur quand même, mais je ne promets rien.


Merci pour la lecture et le support, ça continue ici et ailleurs.

21:59 Écrit par Denis | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

23/02/2009

Blur - Leisure

LeisureUKAvant d'écouter Leisure, premier album de Blur sorti en 1991, il faut se replonger dans un contexte vieux de presque vingt ans : la scène britannique pleurait toujours la mort des Smiths et se consolait avec le baggy des Stone Roses et Happy Mondays et le shoegaze de My Bloody Valentine. Quelque part du côté de Manchester, un gamin nommé Noel Gallagher attendait son heure, tandis qu'aux USA, l'explosion de Seattle était imminente. C'est donc clairement sous influence que Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James et Dave Rowntree, déjà partiellement produits par Stephen Street, commencèrent leur carrière discographique avec le single She's So High, qui était déjà tellement caractéristique, avec un riff déjà classique.

Leisure est probablement le moins bon album de Blur, seuls ceux qui seront allergiques aux expériences futures le contrediront. Ce qui est assez énorme en soi : quel groupe peut se dire que leur premier album est leur moins bon? (Suggestions à l'adresse habituelle.) Rien n'est à jeter ici, même si on sent parfois le poids des années : Bang est directement à inscrire dans la lignée des Roses et Mondays précités, en y ajoutant un de ces refrains qui seront une des spécialités du groupe. De même, la ligne de snythé de Repetition est trop... répétitive. L'album est d'autant plus intéressant à réécouter quand on le recontextualise en tenant en compte ce qu'on sait de Blur, 18 ans après. On trouve déjà une basse dominante, des éléments bruyants mais sporadiques (Slow Down, Fool), et la voix typiquement posh/neurasthénique d'Albarn. Encore plus étonnant, les expérimentations de Blur ou 13 trouvent déjà leur source dans un morceau comme Sing (apparemment une grande influence du dernier Coldplay, avec Satriani, je suppose). Seule différence majeure avec la suite, les chansons ne veulent pas dire grand chose. Mais oooh, ça va vite changer...

Il ne manque finalement que les grandes chansons (même si, She's So High...) mais Modern Life Is Rubbish n'est pas loin. Plus qu'un guilty pleasure, Leisure est un chouette album, et une introduction aussi passionnante qu'étonnante d'un des meilleurs groupes des 90s. Certains morceaux (Wear Me Down!) mériteraient en tout cas d'être revisités lors des concerts de réunion cet été.

23:27 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1991 |  Facebook |

01/06/2008

Faith No More - The Works

Faith_No_More_The_WorksCela fait déjà dix ans que Faith No More s'est séparé. Unanimement considéré comme un des groupes les plus influents des 90s, ils ont eu la décence de ne jamais se reformer, malgré les énormes sommes d'argent qui doivent leur être proposées. The Works est déjà la cinquième compilation du groupe, mais contrairement aux précédentes, ce n'est pas un best of, mais une anthologie : par définition, elle est donc plus complète, et s'étend effectivement sur trois disques, ce qui est bien un minimum pour cerner un groupe majeur à la discographie somme toute limitée.

Dès le départ, Faith No More était inclassable. incorporant des élements de funk, de metal, de rap d'une manière inédite à l'époque, ils ont influencé tout ce qui est passé après eux, dont le nu-metal. Mais je préfère blâmer les Red Hot, c'est plus marrant.

C'est avec l'arrivée du nouveau vocaliste, remplaçant Chuck Mosely (présent ici sur trois morceaux), que FNM va prendre une autre dimension. Mike Patton apportera sa voix exceptionnellement modulable et sa folie certaine et contribuera en faire un groupe majeur : les albums The Real Thing et Angel Dust sont unanimement reconnus comme deux des meilleurs disques des années 90 ; le second est coutumier des listes d'albums influents. Mais plus que Patton, c'est la formule qui fait le génie. From Out Of Nowhere et son clavier lifté au black metal, Epic emmené par une ligne de basse monstrueuse, le rap de Patton et un refrain fédérateur : en fait, il se passe tellement de choses dans ces morceaux qu'il faudrait un article pour chacun.

Encore plus impressionnant : quinze ans après, on est toujours stupéfait par l'inventivité de morceaux qui n'ont pas pris une ride, qui sonnent aussi bien qu'au premier jour. il est vrai que lorsqu'on voit la trajectoire post-FNM de Patton, on comprend que ce mec est un malade de la musique, un génie compulsif sans équivalent. Je me mettrais presque à espérer une reformation, juste pour une tournée, comme ça, pour montrer au monde ce qu'ils étaient. Mais il vaut sans doute mieux ne pas tenter le diable.

Pour revenir à The Works, le premier disque est donc centré sur The Real Thing, et est donc, par pur truisme, parfait. Parce que malgré les bizarreries et innovations visionnaires, FNM savait écrire de très bonnes chansons pop. Falling To Pieces en est un autre exemple. Et quand le groupe écrit une ballade acoustique, c'est pour l'appeler Zombie Eaters. Enfin, juste l'intro est acoustique, après ça dégénère, forcément.

L'autre album fortement représenté est Angel Dust, moins direct mais plus expérimental, et sans aucun doute une influence majeure de plus ou moins n'importe qui qui a tenu ue guitare dans la seconde partie des années 90. Tous ses morceaux s'y retrouvent, comme le phénoménal et schizophrène Caffeine, l'implacable Malpractice. l'irrésistile poésie de Be Aggressive ou encore A Small Victory, qui débute de manière disons accessible avant de partir en tangentes. En fait, on devrait parler de chaque chanson individuellement, mais il serait bien plus simple de se procurer Angel Dust de toute urgence, un des meilleurs albums de tous les temps, voilà.

La suite de l'anthologie reprend les meilleurs moments des deux derniers albums, King For A Day, Fool For A Lifetime et Album Of The Year. Il y en a un paquet, donc l'énorme Digging The Grave ou les plus conventionnels (façon de parler) Ashes To Ashes ou The Lost Art Of Murder. Il n'empêche : le départ de Jim Martin, après Angel Dust, est clairement un point de rupture pour un groupe qui n'atteindra plus jamais le (très haut) niveau où ils se trouvaient.

Enfin, le troisième disque fait la part belle aux extraits live et autres raretés : on peut réentendre la légendaire reprise de War Pigs live à Londres ou quelques reprises. Dans ces dernières, on se souviendra d'Easy, version fidèlement ironique du hit de Lionel Richie qui offrira au groupe un succès commercial étonnant et sans aucun rapport avec le reste de sa production.

La voix de Mike Patton marque les esprits. Il est vraiment capable de tout, rappeur, crooner, hurleur : tout y est. Tout, ou presque : la myriade de projets entrepris par notre homme après la séparation de FNM y ajoutera les chapitres éructations death metal et onomatopées (Fantomas, General Patton, Moonchild, et j'en passe allégrement). Faith No More était un groupe, ceci dit, et les innovations en matière de jeu de guitare et de rythmes valent aussi le déplacement. Le guitariste Jim Martin a apparemment disparu de la circulation, mais le batteur Mike Bordin s'est fait un nom, accompagnant Jerry Cantrell et Ozzy Osbourne, entre autres.

On pourrait encore en parler pendant des heures, de la confusion des genres, par exemple : Crack Hitler incorpore du hip-hop, du metal, du funk, et des trucs qui n'ont sans doute pas encore été inventés. Faith No More est un des groupes les plus important des années 90, et ils continuent à influencer aujourd'hui. The Works démontre pourquoi, et pour cela, est une des écoutes obligatoires de 2008.

17:56 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (1) |  Facebook |

13/04/2008

Hiatus de durée indéterminée

RetroMusicBox ne sera plus mis à jour régulièrement (enfin, c'est pas comme s'il l'était, de toute façon), mais n'est pas mort. Je vous assure.

18:02 Écrit par Denis | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

02/04/2008

AC/DC - Back In Black (1980) [#80]

ACDC_Back_in_BlackUn fait pour débuter. Back In Black est, derrière Thriller, l'album original le plus vendu de tous les temps. Et vu que l'album approche de sa fin inéluctable, il le restera. Je ne prends pas ça comme critère de qualité (le disque le plus vendu, toutes catégories confondues est le Greatest Hits des Eagles, ce qui remet les choses en perspective), mais de distribution : énormément de monde a écouté (ou en tout cas possède, ce qui est autre chose) l'album phare d'AC/DC, succès aussi énorme qu'improbable.

En 1980, AC/DC avait déjà un bon paquet de hits derrière eux, avec notamment l'album Highway To Hell, et un vocaliste exceptionnel, Bon Scott. On connaît la suite : Scott meurt, et est remplacé par Brian Johnson. Back In Black est un hommage à Bon Scott, mais beaucoup d'autres choses aussi.

L'intro mythique, pour commencer. Les cloches, simultanément hommage au chanteur mais aussi annonciatrice de chaos. Un riff, lent, lancinant, qui fait à lui tout seul qu'Angus Young a sa page dans l'encyclopédie des tous grands. AC/DC n'a jamais eu besoin de jouer fort (Iron Maiden), vite (Motörhead), ou de manière malsaine (Black Sabbath) : ils ont leur propre genre, mélange de riffs, de la voix, hmm, particulière de Brian Johnson, et les paroles plus double-entendre qu'une conversation ouija entre Freud et sa mère.

Hells Bells, le premier morceau en question est juste un riff, donc, mais quel riff. AC/DC a repris la racine du rock n roll, le blues, en y ajoutant – forcément – l'électricité et un nombre incalculable de métaphore sexuelles (You Shook Me All Night Long, Let Me Put My Love Into You (!!!) voire parfois sexistes (What You Do For Money Honey).

Mais ne reprendre que ça serait assez réducteur : au creux de l'album, un discret morceau traîne son riff monumental : Back In Black. Continuons le thème : le moment où Johnson commence à chanter est carrément un des moments les plus orgasmiques du rock 'n roll. Et c'est bien ce qu'AC/DC a apporté : rien grand chose de complexe, ni de bien sérieux (z'avez déjà vu Angus Young?). Mais une dose maximal de plaisir et d'enthousiasme, combiné avec un sens de l'accroche inouï; et inégalé.

Oh, bien sûr, ils vivent depuis des années sur leur légende (même si on annonce un nouvel album en 2008), on parle plus de l'accessoire que de l'essentiel (les canons et les cloches, n'importe quel jeu de mot avec “balle” dedans – regardez la pochette du leur dernier dvd), mais quelle légende : AC/DC a créé, et continuera à créer, des groupes qui auront plus ou moins compris l'idéal de Angus, Malcolm, bon, Brian et les autres : rock n' roll ain't noise pollution. Back In Black est la référence.


Hells Bells

 

10:15 Écrit par Denis dans 1980s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1980 |  Facebook |

03/03/2008

The Clash – London Calling (1979) [#12]

TheClashLondonCallingalbumcoverRéduire The Clash au mouvement punk de 76-77 serait une grave erreur. Sans aucune critique quant à leur influence respective, un morceau de Clash comporte plus d'idées que la carrière entière (courte, mais quand même) des Sex Pistols. London Calling, leur troisième album, est aussi leur plus célèbre, et le pivot de leur évolution.

Il débute par l'iconique morceau titre, un des tous grands classiques du punk et du rock en général. Mais c'est un des rares morceaux directs d'un album qui tire dans tous les sens, souvent avec une grande réussite. On connaît son rythme implacable, la voix de Joe Strummer, qui chante comme si sa vie en dépendait (une constante) et ses paroles. Personne ne défendra la working class comme lui, comme eux. Un groupe en qui on pouvait croire, notion totalement disparue de nos jours.

Musicalement, Clash s'éloigne d'un certain nihilisme prôné par d'autres formations de l'époque. Leurs racines sont clairement dans le rock 'n roll classique (Brand New Cadillac) mais ajoutent, de manière innovatrice, beaucoup de cuivres, pavant le chemin pour un style musical toujours présent aujourd'hui (avec plus ou moins de réussite) : le ska. Rudy Can't Fail, The Right Profile en sont d'excellents exemples. De même, on peut perçevoir des éléments reggae (Guns Of Brixton), qui iront plus tard jusqu'à constituer la majeure partie d'un (triple) album, Sandinista!.

Clash ne recule devant rien, quitte à surprendre, voire aliéner. L'album est fort long (dix-neuf morceaux) et fort varié, comme peuvent encore en témoigner le mélodique et réflexif Lost In The Supermarket ou The Card Cheat, où se cotoyent piano et trompette. Punk, peut-être, mais si peu réducteur. Le puissant Train In Vain conclut un album phare, monumental.

London Calling peut avoir des défauts, ils n'ont pas d'importance. Parce que son statut les transcende. Il est trop important, trop crucial dans l'histoire et la compréhension non seulement du rock, mais de la société elle-même, pour s'arrêter à ces aspects. Tout ça sans même évoquer la pochette.


Clampdown

22:05 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1979 |  Facebook |

20/02/2008

Nirvana - Nevermind (1991) [#6]

folderChaque génération a son moment. Voici le mien. Nirvana n'est pas le meilleur groupe de tous le temps, a pas mal plagié à droite et à gauche, mais a réussi à toucher profondément un nombre incalculable d'adolescents de l'époque, pour qui la première vision du clip de Smells Like Teen Spirit restera un des moments les importants de leur vie.

C'est, on le sait, Smells Like Teen Spirit qui ouvre Nevermind. Que dire qui n'a pas été dit et redit, de l'intro légendaire (peut-être, mais sans doute pas, empruntée à Boston), aux paroles qui exprimaient l'angoisse, la peur à la perfection en passant par la brutalité de la production, crue, minimaliste. Derrière les fûts, pour la première fois chez Nirvana, un certain Dave Grohl, qui deviendra ironiquement un plus grande star que Kurt Cobain l'aura été de son vivant. Parce que, qu'on le veuille ou non, Nirvana, c'est Cobain.

Il n'était peut-être pas un grand chanteur, ni un virtuose de la guitare. Mais il a réussi à faire passer ses sentiments, son âme, à travers de son oeuvre, et peu de musiciens auront réussi à la faire à ce point. La ligne mélodique de Come As You Are est un bon exemple : extrêmement simple, augmentée par un leger effet, elle reste une des mélodies les plus reconnaissables des années 90. C'est d'ailleurs cet effet qui donne un étrange sentiment de malaise, amplifié par le chant décharné de Cobain.

Nevermind n'est pas loin d'être l'album parfait. Il n'y a en tout cas rien à jeter, et plus de quinze ans après, il sonne toujours très frais. Le génie, car génie il y a eu, de Cobain a été d'allier musique puissante, aux influences punk/metal/hardcore à une sensibilité pop : on se souvient des morceaux de Nirvana parce que les mélodies rentrent en tête et n'y sortent plus jamais, en tout cas pour Nevermind. Oui, il s'est fortement inspiré, pour ne citer qu'eux, des Pixies. Mais, aussi immense puisse être la bande de Black Francis, Nirvana était le groupe du peuple. Et lls auront réussi à amener un type de musique peu commerciale à ce peuple, qui en redemandera pendant des années.

Nevermind comporte toute une série de morceaux cinglants, et assez violents, même si tout est relatif : il est probable qu'il aura servi de porte d'accès aux influences de Cobain, comme Black Flag ou Hüsker Dü. Reste que l'album est somme tout assez modéré, à l'exception de Territorial Pissings : Cobain changera tout ça avec le suivant (et dernier) In Utero. Breed allie à la perfection les considérations punk et pop, les yeah yeah yeahs du refrain rappelant une des autres influences majeures de Cobain , les Beatles. Sur le plan des paroles, les psys amateurs pouvaient déjà s'y donner à coeur joie, comme sur Lithium : “I found my friends / They're in my head / I shaved my head / But I'm not sad”.

L'album se clôture avec Something In The Way, musicalement calme mais atmosphériquement intense, et résumant somme toute bien Nevermind : un disque dense, qui n'a pas nécessairement besoin d'exprimer sa violence pour la faire ressentir. Tous les thèmes présents ici seront redéfinis pour In Utero, où l'âme de Cobain sera définitivement mise à nu. Les prémices du chef d'oeuvre de Kurt Cobain sont ici, et resteront à jamais inoubliables.


Breed
 

21:14 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1991 |  Facebook |

10/02/2008

The Cardigans - Best Of

Cardigans_-best_ofJ'avoue, j'avais oublié les Cardigans depuis quelques années, jusqu'à ce que le duo entre Nina Persson et Manic Street Preachers me rappelle que son groupe avait sorti un très bon album, Gran Turismo, il y a juste dix ans. Comme je ne suis pas trop familier avec l'oeuvre du groupe, ce best of semble l'occasion rêvée de m'y (re)plonger.

La compilation n'oublie aucune période du groupe, avec les débuts limite twee (After All...) mais d'une saveur pop irrésistible (Rise And Shine) mais qui révélaient déjà un petit quelque chose un plus : même si elles ne sont pas comprises ici, le groupe a enregistré et sorti quelques reprises de Black Sabbath. Cardigans, c'est finalement une sorte de pop perverse, facile à digérer de prime abord, mais nettement plus malsaine après réflexion. Carnival, extrait du second (Life) est totalement irrésistible, avec une touche de kitsch délicieux (les cordes très Love Boat).

Le succès arriva avec le troisième, First Band On The Moon, et son hit Lovefool, repris sur la BO du Romeo + Juliet de Baz Luhrmann. Le groupe fera 36 fois le tour du monde, et réussira un tour de force avec Gran Turismo, alliant guitares abrasives et pop parfaite. My Favourite Game (et sa vidéo bannie à l'époque), Erase/Rewind et Hanging Around sont peut-être les meilleurs singles du groupe. Mais le groupe sentira le besoin de faire une pause, et laisseront passer cinq ans avant l'album suivant. Vu que Nina Persson s'était alors teint les cheveux en noir, ça voulait forcément dire que le groupe devenait plus sombre, forcément...

Long Gone Before Daylight était plus sombre, mais aussi étrangement country, et n'arriva pas à reproduire le succès de jadis. Super Extra Gravity non plus, malgré quelques extraits irrésistibles, et plein de personnalité (sans compter que I Need Some Fine Wine And You, You Need To Be Nice est un superbe titre). Parce que finalement, c'est ce qui aura différencié The Cardigans de la concurrence. Pop, oui, mais pop avec attitude, mais pas seulement de la chanteuse. Le futur est incertain, mais ils n'auront pas à rougir de leur passé.


My Favourite Game

09:00 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

03/02/2008

Eels - Meet The Eels: Essential Eels Vol. I 1996 - 2006

Meet_the_EelsMa première expérience avec Eels, comme pour beaucoup de monde, c'était le clip de Novocaine For The Soul, réalisé par Mark Romanek et qui passé en haute rotation sur MTV, back in the days. On découvrait en la personne de E (Mark Olvier Everett) un anti-héros indie à la Rivers Cuomo, qui écrit des chansons irrésistibles sur des sujets pas toujours très marrants : le second album d'Eels est entièrement basé une une série assez incroyable de décès dans la famille de E. Une douzaine d'années après, une retrospective en deux parties voit le jour : un best of classique ainsi qu'un double cd de raretés, à réserver aux collectionneurs, comme souvent. On va s'intéresser ici au best of, et comme à a chaque fois, la critique facile se présente, cinglante : qu'est-ce que c'est que ça pour une sélection douteuse?

Le deuxième album mentionné plus haut, Electro-Shock Blues, est peut-être le meilleur album du groupe, et deux morceaux en sont extraits. Etait-ce pour ne pas complètement déprimer l'auditeur? Possible, mais en tout cas très peu représentatif, même si Last Stop:This Town (bricolage de génie presque Beckien) et le très optimiste 3 Speed ("Why am I such a fucking mess", ou encore "I'm dead but the world keep spinning") ont largement leur place ici. Assez râlé, de toute façon, il y a suffisamment de perles ici, de morceaux écrits avec émotions et parfois enregistrés avec des bouts de ficelle ou un orchestre, selon les désirs de Mr E.

Eels change assez facilement de style, de la ballade morbide au full on rock, mais leur marque de fabrique reste un certain concept de l'indie song US, midtempo et mélancolique. Rien n'est vraiment à jeter ici, malgré les vingt-quatre morceaux, et une surreprésentation du dernier album, au demeurant très bon. On saluera d'ailleurs le souci d'exhaustivité, avec trois morceaux hors album (dont une bonne reprise du Get Yr Freak On de Missy Elliott).

Eels restera à jamais un groupe relativement mineur, mais qui vaut la peine : ce best of et Electro-Shock Blues feront très bien l'affaire comme porte d'entrée d'un monde complexe mais attachant.


3 Speed

18:36 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 2008 |  Facebook |

25/12/2007

Rolling Stones - Rolled Gold +

stonesRolled Gold + n'est pas une compile de Noël en plus. C'est LA compile. Originellement sorti en 75 mais jamais édité en cd, il se voit augmenté de 12 morceaux (d'où le +) pour voir sa durée dépasser les 150 minutes. Il fait suite au précédent best of du groupe, Forty Licks, mais est nettement supérieur à celui-ci, pour deux raisons majeures. D'abord, le son est plus authentique, au dessus de la bouillie de Forty Licks. Ensuite, et surtout, même si on ne parle que de dix ans de Stones, tout était dit. Alors que, pour Forty Licks, il fallait accomoder les différentes époques du groupe et même caser quatre inédits, ici on ne doit juste que reprendre les meilleurs morceaux datant de 63 à 72, soit, en fait, de leur carrière. Bon, on pourrait peut-être, en tirant la corde, regretter It's Only Rock 'n Roll ou Start Me Up, mais Jump Back (la compile qui reprend 71-93) suffit amplement. Et le moins on parle d'Angie, le mieux c'est.

Comme leurs illustres pairs de l'époque, les Stones ont débuté avec des reprises de standards rock 'n roll : Chuck Berry, Buddy Holly, et même un original de Lennon/McCartney. Peu de temps après, le premier original signé Jagger/Richard (Keith n'avait pas encore ajouté le "s") voit le jour. C'est à partir de 64 que la grande majorité des morceaux des Stones seront originaux. Même si Jagger a bien appris ses leçon : le double sens de Little Red Rooster sera repris tout au long de sa carrière, jusqu'au récent A Bigger Bang.

Les choses sérieuses ne commencent qu'avec le dixième morceau, The Last Time. Puis, la déferlante de morceaux exceptionnels. (I Can't Get No) Satisfaction, forcément, mais aussi Get Off Of My Cloud, Paint It Black (sérieusement une des meilleures chansons de tous les temps, rien à dire), Mother's Little Helper et ses traits acide de critique sociale chère à Jagger. Under My Thumb, s'il fallait le prouver, montre les talents de Charlie Watts, batteur d'une grande finesse avant que l'excellent Have You Seen You Mother Baby, Standing In The Shadows clôture le premier disque. On l'a déjà dit, le riff de Satisfaction pourrait déplacer des montagnes, et les différentes significations du texte ne font que renforcer son status d'icône. Mais je le répète, Paint It Black est vraiment un morceau exceptionnel, la voix de Jagger est légendaire, menaçante, terrifiante. Le premier crash de batterie de Watts vaut bien tout le heavy metal du monde.

Pas grand chose à dire, évidemment. Des débuts hésitants et forcément peu originaux, mais le rock 'n roll était si jeune. La paire d'auteurs/compositeurs Jagger/Richards ne fera que monter en puissance, ce que le second disque montre parfaitement. Ruby Tuesday, She's A Rainbow, Jumpin' Jack Flash, Sympathy For The Devil, et un final ébourriffant : Gimme Shelter, You Can't Always Get What You Want, Brown Sugar, Honky Tonk Woman et Wild Horses. Les mots ne suffisent pas, il faut se taire et écouter. Mais Gimme Shelter... Difficile, après tout ça, ne ne pas considérer le Stones, ces Stones, comme le plus grand groupe de rock du monde. Ils l'étaient.

Alors, forcément, ça a méchamment dégénéré. La paire Jagger/Richards vire au pathétique, entre concerts privés pour détenteurs de carte de fidelité de supermarché suisse et chute de cocotier, en passant par des albums dont personne n'a quoi que ce soit à foutre. Les Beatles n'ont eu que dix ans de carrière, Nirvana huit, les Stones quarante-cinq, et ce n'est pas fini. Alors, forcément, on perd de sa puissance, de son intensité, de son utilité. Ils auraient définitivement du raccrocher il y a bien longtemps, mais ce n'est pas notre décision. Notre décision, c'est de se souvenir des Stones par, et pour, Rolled Gold, qui compile leurs plus grands moments. On pourra toujours s'attaquer aux albums après Pirates des Caraïbes.
 
 
Paint It Black
 
 
Gimme Shelter

22:12 Écrit par Denis dans 1960s | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

05/12/2007

Muse - Origin Of Symmetry (2001) [#69]

MuseoriginofsymemtryalbumcoverMuse, de manière assez surprenante, est devenu un groupe majeur en Europe, et a même réussi à s'exporter avec succès. Cela peut s'expliquer par le caractère assez... mou du dernier album, mais en 2001, ils ont sorti un très bon opus, un des meilleurs des années 00, du rock british, etc etc, le tout en sortant de l'ombre de Radiohead, dans lequel s'était enfermé le premier album, Showbiz.

Origin Of Symmetry ne fait pas de concessions, contrairement au Muse que l'on connaît actuellement (Starlight???). Deux des trois premiers morceaux durent plus de six minutes, et comprennent, dans le désordre, des voix élastiques, des claviers tordus, un jeu de guitare très intrigant ainsi qu'une section rythmique très puissante. New Born commence calmement, avec un piano, avant de littéralement exploser avec une guitare filtrée bruyantissime. La basse de Chris Wolstenholme, arme secrète de Muse, enfonce le clou très fort. Le morceau est complexe, mais moins que Space Dementia qui sonne exactement comme son titre le fait croire. Avec les effets spéciaux des vieilles séries de SF. Et, évidemment, un break de piano music-hall. Forcément...

La première moitié de l'album est une usine à hits (enfin, hits, dans un monde utopique). Hyper Music est porté par un riff machiavélique plus lourd que Sabbath, alors qu'on pardonnera facilement l'emprunt de la ligne de basse de Sexy Boy (Air) : Plug-In Baby est parfait, le riff vaut bien le top 10 des meilleures intros de tous les temps. En plus, même si le morceau parle d'une guitare, les Freudiens ont quelque chose à se mettre sous la dent. Citizen Erased? On recommence, riff de folie, ligne de basse qui tue, batterie puissante, et ce n'était que l'intro : quand le morceau démarre, la terre tremble. Mais comme ça dure 7 minutes 19, elle a le temps de se refaire une santé, avant de définitivement s'écrouler sur elle-même. Jouissif, et un des rares albums où les claviers sont supportables. Les voix aigües, c'est limite, mais bon, on passe. Quoique Micro Cuts, c'est un petit peu over the top quand même.

Il faut attendre le neuvième morceau pour avoir un peu de calme, avec le flamenquesque Screenager. Le bizarre continue, avec Darkshines qui pourrait sortir d'un western façon Robert Rodriguez, avant que l'inattendue reprise de Feeling Good, euh, surprenne. Megalomania finit l'album dans le calme, mais un calme menaçant.

Peu, très peu de déchets dans Origin Of Symmetry qui sera très certainement toujours la quintessence de Muse, tout en étant vraiment un très bon album. Alors, que Muse devienne n'importe quoi, fasse des shows à la U2 période Pop, cela n'a pas trop d'importance, quand on sait que quoi qu'il arrive, on aura toujours Origin Of Symmetry pour se souvenir. Leur BloodSugarSexMagik, en quelque sorte.
 

Plug-In Baby
 

23:44 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : 2001 |  Facebook |

30/11/2007

Jeff Buckley - Grace [#23]

Jeff_Buckley_-_GraceLa carrière de Jeff Buckley fut courte. Un seul album, et une mort accidentelle (?) trois ans plus tard, alors qu'il venait juste d'atteindre la trentaine. On passera sur l'exploitation fort commerciale, pour être gentil, de sa discographie post-mortem (huit disques jusqu'ici) pour ne s'attarder que sur Grace, album important s'il en est, car il aura influencéé toute une série de chanteurs jusqu'à ce jour, le dernier en date étant le totalement toxique Mika.

Grace, qui est sorti en plein boom alternatif, montre un chanteur exceptionnel, de la trempe des plus grands. Capable de passer d'un murmure inaudible à des aigus Mercuriens, il habite littéralement chaque morceau, des originaux Grace et Last Goodbye aux reprises Lilac Wine et Corpus Christi Carol, hymne du quinzième siècle. Il aurait pu être un vocaliste rock extraordinaire, et c'est finalement le seul reproche qu'on peut faire à Grace. C'est un album AOR, adult-oriented rock, qui ne prend pas de risques, et qui sonne très classique. En somme, des bonnes chansons, effectivement élevées par une prestation vocale hors du commun, mais qui restent relativement apprivoisées, à l'exception peut-être du Led Zeppien Eternal Life.

Reste que pour ne pas être ému par sa version d'Hallelujah, il faut être mort.

Hallelujah
 

23:03 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1994 |  Facebook |

26/11/2007

Green Day - Dookie (1994) [#68]

GreenDayDookieComme dirait l'autre, putain, treize ans... Dookie était le premier album de Green Day sur une major, après le succès de deux albums indépendants. Ils se sont vu taxer (évidemment) de sellouts, ont vendu des millions d'albums et ont même connu une transformation stupéfiante 10 ans après, avec le succès d'American Idiot. Reste que Dookie est toujours leur meilleure vente, et un des albums phares du punk US, version pop.

Treize ans après, tout cela a certes vieilli, mais se laisse gentiment réécouter. On sourit aux paroles, qui traitent, évidemment, des soucis adolescents du public cible, et en fait, de Green Day eux-même, encore bien loin des duos avec U2. On apprécie les riffs, simples et efficaces et on se rend compte que malgré son nom stupide, Tré Cool est un excellent batteur punk.

Basket Case (évidemment), Welcome To Paradise, She, Longview sont autant d'hymnes générationnels, un peu surévalués mais tellement sympatiques. On est clairement du côté radio-friendly du punk, mais FOD envoie bien la sauce quand il le faut. Ceci dit, même si Dookie reste une référence, les trois albums suivants révèleront un groupe meilleur, et un talent de compositeur certain pour Billie Joe Armstrong.

Tout en espérant que le nouvel album sera moins boursouflé qu'American Idiot, on réécoutera Dookie pendant de longues années encore. Ce qui ne sera pas vraiment le cas de Chocolate Starfish And The Hot-Dog Flavoured Water, si?


Welcome to Paradise

10:00 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1994 |  Facebook |

23/11/2007

Bob Dylan - Blood On The Tracks (1974) [#47]

BloodTracksCoverCe qui est intéressant, avec ce système de tirage au sort d'albums, c'est que je peux m'intéresser à des disques que je n'aurais pas eu l'idée d'écouter. C'est le cas ici, je ne suis pas un grand appréciateur de la musique de Dylan, que je respecte, surtout pour la conscience sociale de ses débuts. Blood On The Tracks, sorti en janvier 74, est son quinzième album, et fut considéré à l'époque comme un retour en forme, et est toujours une référence maintenant, comme un de ses derniers grands albums.

Blood On The Tracks est un album de blues/folk, dominé évidemment par la guitare acoustique et la voix nasale de Dylan, aidé par une instrumentatation discrète mais efficace. Les morceaux sont tous liés thématiquement, et tournent autour de l'amour, et de ce qui en découle, ou du moins les aspects négatifs. Dylan se montre en très grande forme lyrique, comme en attestent Shelter From The Storm, où l'épique Lily, Rosemary And The Jack Of Hearts et sa narration complexe ; alors que le doux You're A Big Girl Now est plus tranquille et simple.
 
Dylan est en roue libre, jouant avec facilité sur ses talents de narrateur et de parolier : il ne cherche pas à se considérer comme un grand chanteur, de toute façon. Blood On The Tracks est un album parfait en tant que tel, mais qui ne touchera pas ceux pour qui Dylan n'a qu'un intérêt somme toute relatif, parce qu'on ne peut pas dire que tout cela est très varié. Maintenant, qui arrive à sortir un album pareil pour son quinzième?

Shelter From The Storm
 

17:49 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1974 |  Facebook |

18/11/2007

Guns N' Roses - Appetite For Destruction (1987) [#26]

GunsnRosesAppetiteforDestructionalbumcoverLe hasard aura été impressionnant : le premier album tiré au sort aura été le début de Guns N' Roses, un album qui a lancé une frénésie de culottes mouillées et de vêtements infâmes. Mais, aussi étrangement que ça puisse paraître, c'est un assez bon disque.

En effet, Axl Rose, on ne va pas trop l'envier. Il était déjà sérieusement ridicule à l'époque, à crier sa reprise de McCartney en mini short moulant, et maintenant, il ressemble à un vieux maquereau proche de la faillite. Mais je défie qui que ce soit d'écouter Welcome To The Jungle de ne pas vouloir se lever, crier et lancer son poing en l'air, dans le faux plafond. Un des meilleurs premiers morceaux d'album de tous les temps, Welcome To The Jungle a tout, le début - une intro progressive et percutante -, le riff, le caractère introductif, et une fin, brutale et parfaite. Le chant craie sur tableau de Rose ne gêne même pas, c'est dire.

Il n'y avait pas que le rouquin : Slash et Izzy Stradlin furent le duo parfait, l'alliance d'un soliste exceptionnel (It's So Easy) à un maître ès-riffs (My Michelle), il n'en fallait pas plus pour faire d'Appetite For Destruction un album à guitare majeur, même si celle-ci reste fort classique. La majorité de l'album est puissant, exubérant, et fait pour remplir des stades (ou interroger des Irakiens). Paradise City, qui commence assez mal avec des synthés qui étaient déjà ringards à l'époque finit en quasi speedmetal, et c'est comme ça que le groupe est le meilleur.

Maintenant, c'est bien tout ça, mais il reste une moitié d'album assez douteuse, on va dire. La talkbox d'Anything Goes, les bruits d'ébats de Rocket Queen : déjà à l'époque, personne n'osait dire à Axl qu'il déconnait. Et Sweet Child O' Mine, c'est très chouette (et frustrant) quand on apprend la guitare, mais le morceau est presque aussi gênant qu'un mauvais Disney.

Il reste deux faits : Appetite for Destruction reste le meilleur album du groupe (enfin, jusqu'à Chinese Democracy, bien sûr) et fait toujours son petit effet, même s'il est encore un peu surévalué. Mais surtout, sans ce type d'album, comment aurait-on pu, du côté de Seattle, changer la face du monde? Pour avoir Poutine en Russie, il a fallu avoir Staline. Action/réaction (et mauvaise foi).

Allez, sérieusement, c'est marrant, mais bon, on a grandi depuis. Au suivant (Bob Dylan - Blood On The Tracks, on va déjà moins rigoler).


Welcome To The Jungle



PS : pour les commentaires insultants, allez y, mais avec une bonne
orthographe, ok? Sinon vous passez vraiment pour des cons. 

23:45 Écrit par Denis dans 1980s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1987 |  Facebook |

11/11/2007

Radiohead - Hail To The Thief (2003)

600px-Radiohead.hailtothetheif.albumartAvant de sortir son sixième album, Radiohead avait déjà une carrière bien remplie. Un premier album bien reçu avec un mégahit (Creep), un second qui définit le post-grunge, un troisième qui sera reconnu comme un des plus importants de l'histoire du rock, et enfin, une paire d'opus expérimentaux et très impressionnants. Il ne semble plus vraiment y avoir de barrières à franchir, et c'est dans se contexte que Radiohead a pu enregistrer leur album le plus "facile" à ce jour.

Comme à chaque fois depuis Kid A, on se demande (assez stupidement d'ailleurs) si le groupe va revenir au bon gros rock, et 2 + 2 = 5 semble répondre aux attentes, surtout dans sa seconde moitié mouvementée. Ce n'est forcément qu'un mirage : même si les élements électroniques sont moins présents, il le sont toujours (le final de Sit Down stand Up, par exemple), et la guitare n'est jamais qu'un instrument parmi d'autres. Hail To The Thief est un album long (une heure, quatorze morceaux), dense et varié : on aurait pu retrouver Sail To The Moon sur OK Computer, alors que Go To Sleep est basé sur une guitare acoustique, ce qui est très rare, chez Radiohead.

Si l'on veut chercher une différence majeure entre HTTT et les deux albums précédents, ce serait peut-être une recherche mélodique plus poussée. Une majorité des morceaux ici sont basés sur une mélodie, quelque chose d'accrocheur et d'attachant, qui les rend plus... humains, peut-être. Where I End And You Begin en est un bon exemple, et comprend aussi une utilisation intéressante des Ondes Martenot par le bidouilleur en chef Jonny Greenwood. Ce qui n'empêche pas les expériences bizarres, comme We Suck Young Blood, emmené par un piano et rythmé par des claquements de mains, ou The Gloaming, entièrement manipulé en post-production.

Le premier single n'arrive qu'en neuvième place sur l'album, et c'est peut-être là sa faiblesse ultime. Est-il trop long, trop dense? Rien n'est à jeter, certes, mais il aurait peut-être mieux valu reléguer deux-trois morceaux en faces B (là où se trouvent déjà quelques perles). De même, après les derniers albums, il est étonnant, voire un peu gênant, d'entendre des morceaux relativement simples et accrocheurs, comme, justement, There There. Rien de mal à ça, et Radiohead continuera d'ailleurs la tendance dans le prochain album, In Rainbows, après que Thom Yorke ait exorcisé ses démons numériques sur The Eraser. I Will pousse d'ailleurs la simplicité jusqu'à son quasi-paroxysme, nous montrant une nouvelle facette du groupe, tout cela après six albums. Mais dans une schizophrénie typique, Myxomatosis envoie une basse trafiquée directement là où ça fait mal et ferait presque... danser. A Wolf At The Door clôture l'album, avec un Thom Yorke toujours inquiétant et mystifiant.

Hail To The Thief n'a pas l'importance des quatre albums précédents, c'est indéniable. Ce qui n'empêche pas son excellence, et surtout, son importance personnelle pour Radiohead, qui semble avoir trouve son équilibre. Même s'il continueront certainement à surprendre à chaque nouvelle sortie, comme pour le récent In Rainbows, qui aura attendu quatre longues années avant de voir le jour.
 
 
2 + 2 = 5
 
 
Where I End And You Begin

13:47 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 2003 |  Facebook |

07/11/2007

Radiohead - Amnesiac (2001)

Radiohead.amnesiac.albumartOn le sait, les morceaux d'Amnesiac ont été enregistrés en même temps que ceux de Kid A. Ceci dit, le groupe a choisi de ne pas en faire un double album, mais de sortir les deux parties, en insistant bien sur leurs différences. On ne peut que le comprendre, les deux albums sont en effet différents.

Amnesiac, et ce n'est pas un reproche, est nettement moins cohérent. Alors qu'un fil conducteur semblait relier chaque point de Kid A, ici rien ne semble associer deux morceaux qui se suivent comme Pyramid Song et Pulk/Pull Revolving Doors, par exemple. Le thème "guitares" est aussi traité différemment : certains en sont totalement dépourvus, d'autres sont construits autour, comme Knives Out et I Might Be Wrong. Certains extraits d'Amnesiac sont les plus obscurs jamais composés par le groupe, d'autres sont nettement plus accessibles. Knives Out est certainement le morceau le plus commercial, si l'on peut dire, depuis Karma Police.

Amnesiac est très énigmatique, comme l'anti-Blair basique You And Whose Army, chanté par un Thom Yorke à la bouche pâteuse, sur une base instrumentale apparemment enregistrée sous trois mètres d'ouate, ou Packt Like Sardines In A Crushd Tin Box qui semble, quant à lui, tiré de Kid A. Schizophrène, l'album offre des morceaux de brillance totale, comme le coda de I Might Be Wrong, pendant lequel on ne peut simplement plus respirer, ou le final Life Is A Glasshouse, encore très différent, et enregistré avec le jazzman Humphrey Lyttleton. Dans le même genre, Dollars And Cents est augmenté de la présence de cordes, qui prépare peut-être étrangement le dernier In Rainbows. Mais il est aussi possible que le groupe ait été un peu loin, Hunting Bears et Like Spinning Plates poussent l'exploration sonore au maximum. C'était probablement le but, il est atteint, mais ces morceaux nous font plus gratter le crâne qu'autre chose. Et fatalement, tout cela ne ressemble à rien avec ce que Radiohead a pu faire auparavant.

Il s'agit très certainement de l'album le plus étrange de Radiohead, ce qui n'est pas peu dire. On pourrait même s'avancer en affirmant que Kid A n'a fait que préparer l'arrivée d'Amnesiac, sans quoi il aurait été totalement impossible à comprendre. L'évolution du groupe ne s'arrêta pas là, évidemment, mais l'album suivant, Hail To The Thief, n'aura pas le même impact que cet incroyable duo. Mais c'était impossible.

Un vrai cauchemar de chroniqueur, cet album, mais une classe et une inventivité folle.


I Might Be Wrong


Life In A Glasshouse

23:47 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 2001 |  Facebook |

29/10/2007

Radiohead - Kid A (2000)

Radiohead.kida.albumartDepuis que je m'intéresse au rock (au sens très large), ce qui doit faire une bonne douzaine d'années, j'ai pu en connaître, des groupes venir, partir, apparaître et disparaître. Des petits concerts qui allaient devenir grands (Muse devant 150 personnes), des grands qui ne l'auraient pas du (je ne sais pas ce que je foutais devant Jamiroquai au Flanders Expo, Saint Jimi, pardonne-moi), des albums de référence, des déceptions. Et Kid A. Replaçons-nous un peu dans le contexte.

On avait quitté Radiohead en 1997, suite à deux événements majeurs : OK Computer, et, dans la tournée qui a suivi un concert mémorable à Rock Werchter. Puis, secret et silence, jusqu'à l'annonce d'une tournée non sponsorisée, sans aucun album à vendre. Ils sont venus de nouveau à Werchter, mais sous chapiteau, pour ce qui fut une des expériences les plus surréelles de ma vie. Lors de ce concert, on a pu entendre quantité d'inédits, qui ne ressemblaient absolument pas à ce qu'on connaissait du groupe. Quelques semaines plus tard, la première partie de ces enregistrements voyait le jour.

Everything In Its Right Place avait déjà frappé tous les esprits lors des concerts, avec son intro traînante à l'orgue, et une fin qui part dans tous les sens : Jonny Greenwood samplant et manipulant en temps réel la voix de Thom Yorke. Déjà, après quelques minutes, on se retrouve déjà face à un des plus grands morceaux du groupe. Kid A, la "chanson" suit, est en fait une sorte de collage musical étrange, influencé par quelques terroristes des circuits imprimés à la Aphex Twin ou Squarepusher. Voix complètement sous acide, basse puissante, mais absence complète de structure reconnaissable, et de guitares. C'est ce qui avait choqué à l'époque : on savait Radiohead de nature expérimentale, mais de là à quasi virer les guitares, il fallait le faire...

The National Anthem tient debout grâce, comme souvent, à la basse de Colin Greenwood, et alors que le morceau semble somme toute assez classique, il se finit en free jazz complètement à la masse, avant que le cousin d'Exit Music (For A Film), How To Disappear Completely, montre pour la première fois qua la technologie peut aussi transporter des émotions. Optimistic foule un terrain déjà plus connu, avec, il semble, une guitare quelque part derrière. Mais le morceau en lui-même, et les percussions tribales font vite comprendre qu'on n'est plus vraiment avec le groupe de Creep...

Et que dire d'Idioteque, le morceau qui avait scotché tout le monde sur place en concert. Un immense beat techno, une manipulation sonore grandiose, des paroles typiquement parano et un autre grand moment. Le sombre Motion Picture Soundtrack clôt un album choquant, peut-être moins maintenant quand on connaît les trois albums qui ont suivi, mais Kid A reste toujours un monument, et LA référence en matière de réinvention sonore. Alors que des tonnes de groupes se revendiquaient de Radiohead, ils ont décidé de se réinventer, s'attirant un immense respect et élargissant leur audience.
 
Ceci dit, ce n'est pas tout. Car les sessions d'enregistrement ont été tellement fécondes, qu'un autre album allait très vite voir le jour. Radiohead n'a pas sorti un double album, pour bien marquer le coup entre les deux bêtes, et il est vrai que même si, comme de coutume, on peut trouver des points communs, Amnesiac ne ressemble à aucun autre album du groupe. Ce sera la prochaine étape.


Everything In Its Right Place


Idioteque

17:34 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 2000 |  Facebook |

26/10/2007

Radiohead - OK Computer (1997)

Radiohead.okcomputer.albumartOK Computer a tout juste dix ans, et plutôt que de perdre son temps en rééditions, Radiohead a préféré sorti un nouvel album, ce qui est une très bonne idée. D'ailleurs, pas besoin de réédition pour parler d'un des albums les plus importants, impressionants et influents des années 90. On ne le savait pas encore à l'époque, mais OK Computer marquait la transition entre le Radiohead post-grunge de Pablo Honey et The Bends vers le groupe aventureux de Kid A.

Fortement influencé par des artistes électro comme DJ Shadow, les morceaux de l'album comprennent tous des touches électroniques, parfois discrètes mais parfois cruciales, comme pour l'ouverture d'album Airbag, ou Paranoid Android, qui le suit. Á l'époque, on l'a comparé à Bohemian Rhapsody, par rapport aux différentes parties qui le composent. Mais la comparaison est faible, Paranoid Android est bien plus important, mais une fois de plus, les mots ne suffisent pas, il faut l'écouter, comme tout l'album, en fait.

Exit Music (For A Film) est un des morceaux les plus poignants jamais composés : le début nous empêcher de respirer, puis à 2"50, une basse vrombissante soulève le morceau avant que le final ne l'envoie dans des cieux rarement atteints. Une pure merveille alliant technique et émotion, comme l'etouffant Climbing Up The Walls, ou l'étourdissant No Surprises. Karma Police est un morceau simple, mais qui se termine par des bruitages étranges, comme un avant-goût de ce qui allait arriver ; de même, Electioneering rappelle les vieilles guitares en les mettant à jour.

C'est assez étrange d'évoquer OK Computer aujourd'hui. À l'époque, on louait son caractère innovant, mais maintenant, quand on voit l'oeuvre dans son ensemble, on voit que c'était une étape cruciale dans l'évolution de Radiohead. Pour réussir à réunir le meilleur des deux mondes, il sera peut-être toujours considéré comme leur meilleur, mais Radiohead est un groupe pour lequel la hiérarchie des albums n'a que très peu d'importance.

L'étape la plus importante restait à venir, et une des plus grandes surprises du rock contemporain. Kid A.

 

Paranoid Android

 

Exit Music (For A Film) 

10:15 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1997 |  Facebook |

16/10/2007

Radiohead - The Bends (1995)

Radiohead.bends.albumart

Radiohead est l'archétype même de l'artiste qui évolue constamment. Peu de groupes, peut-être aucun, ne l'a fait autant et aussi bien. En quatre articles, je vais tenter de décrire ce qu'ils ont fait en une dizaine d'années, pendant lesquelles ils sont devenus l'artiste le plus inspirateur depuis que Robert Johnson a rencontré Satan.

On passera le premier album, Pablo Honey. Il n'est certes pas du tout dénué de qualités, mais il pâtit de la présence de Creep, morceau emblématique et rejeté maintes fois par ses concepteurs. De plus, l'album suivant, The Bends est peut-être le plus grand album à guitares jamais réalisé. C'est d'ailleurs difficile à comprendre, quand on sait que le groupe a quasi eliminé toute guitare de l'album Kid A, mais il faut dire qu'après The Bends, il n'auraient pas pu continuer dans ce style : la perfection ne peut pas être améliorée.

L'album commence doucement, avec Planet Telex tout en délai de guitares, comme un Edge sous stéroïdes, et des couches de claviers, qui ne sont que la première étape de processus de mutation. Comme tous les morceaux de Radiohead, la base basse/guitare est très importante. Versatile, la paire Colin Greenwood/Phil Selway n'a que très peu d'égal, il faut chercher loin pour en trouver (Chancellor/Carey, peut-être). Mais ce sont les guitares qui fount tomber tout le monde. Thom Yorke, Ed O'Brien et Jonny Greenwood y participent tous trois, avec des talents et des rôles différents, Greenwood étant le manipulateur en chef, rôle qui ne fera que s'accroître avec le temps. The Bends, le morceau titre est simplement parfait, et plus loin, les différentes guitares de Just sont admirables, y compris un solo injouable et complètement étrange. Ces deux morceaux, avec le post-grunge Bones, forment l'épine dorsale bruyante de l'album, et en fait les derniers gros morceaux rock jamais composés par le groupe. Comme évoqué plus loin, ils en avaient fait le tour.

Le reste de l'album est remarquable : des morceaux d'une pureté totale comme High And Dry, (Nice Dream) ou Street Spirit (Fade Out) ont forcé la création de trois millions de groupes, dont Coldplay. Merci, les gars... My Iron Lung, qui est en fait sorti en EP pile entre les deux albums, se moque ouvertement du succès de Creep, en reprenant sa base mélodique et en ajoutant des paroles comme "This is the new song / Just like the old one / A total waste of time. Parce que Yorke fait dans l'humour noir, quand on arrive à percer le mystère de textes qui, c'est vrai, sont encore compréhensibles. De même, il chante très bien, et arrive à transporter tout un spectre d'émotions dans un seul couplet. Tout cela va aussi évoluer, on le verra.
 
On parlait de Coldplay tout à l'heure, mais Black Star, vers la fin de l'album, a crée Muse, exactement comme Tomorrow Never Knows a crée la musique électronique. Enfin, Street Spirit (Fade Out), qui clôture l'album, est une des plus belles ballades jamais écrites. Immerse your soul in love... Il faudra attendre douze ans, et le tout nouveau In Rainbows, pour que Radiohead retrouve ce type d'ambiance. Ce qui ne veut pas dire que les quatre albums suivants ne valent rien, bien au contraire : OK Computer sera encore plus important que celui-ci.

The Bends reste un album exceptionnel, d'un groupe exceptionnel. Même si on ne comprend pas, ou si on n'adhère pas à leurs changements de style à venir, la perfection (oui, perfection) de l'album est difficile à nier. C'est un des meilleurs albums jamais réalisés, surtout au point de vue guitaristique.


The Bends

Street Spirit (Fade Out)

12:56 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1995 |  Facebook |

12/10/2007

Dylan - Dylan (2007)

Dylan_album_coverRobert Allen Zimmerman chante depuis plus de quarante-cinq ans. Dans ce laps de temps, il est devenu l'un des artistes le plus importants de la musique contemporaine (oui, c'est vague), et un des plus repris. Qui pense à Dylan en écoutant All Along the Watchtower, voire (horreur) Knockin' On Heaven's Door? Ces deux morceaux, et quarante-neuf autres, sont repris sur cette énorme compilation, au titre adéquat. Attention toutefois : l'album est disponible en plusieurs versions, dont une risible édition dix-huit morceaux. Tant qu'à faire, autant prendre la totale.

Arrangée chronologiquement, la compilation laisse évidemment la part belle au début de carrière du Dylan : le premier disque couvre la période entre 1962 et 67, le second 67-85 et le dernier 85-2006, le but étant de reprendre le plus possible de morceaux importants. De toute façon, le but d'un tel album, et dans une moindre mesure de cet article, n'est pas de résumer Dylan, mais plutôt de faire une sorte d'introduction générale.

Le début est évidemment folk : Dylan, une guitare acoustique et un harmonica. L'album The Freewheelin' Bob Dylan est très bien representé, avec trois morceaux dont l'immense Masters Of War, sans doute la protest song la plus violente jamais écrite. Il faut l'entendre se clôturer avec ces mots terribles "And I'll stand on your grave / Till I'm sure that you're dead" pour tenter de comprendre ce qui animait son auteur, qui, sur A Hard Rain's A-Gonna Fall décrit de manière pittoresque un paysage post-apocalyptique.

Puis, le ton devient plus électrique, et on se souvient de ce très célèbre épisode où, lors d'un concert à Manchester en 1966, un fan cria "Judas" à Dylan, coupable d'avoir échangé son acoustique contre une Strat. Il joua ensuite une version monstrueuse de Like A Rolling Stone, et le rock n roll trouvait une raison d'être supplémentaire. Dylan, constamment à la recherche d'innovation, rajouta sans cesse de nouveaux thèmes et instruments, tout en restant généralement un poète de grand niveau, quand on ne le surprend pas coupable de sexisme primaire.

Ensuite, alors qu'on peut trouver moins d'importance à son oeuvre, et même s'il passe logiquement par quelques moments moins fertiles, Dylan réussit à sortir quelques albums de qualité, continuant seul son chemin vers la légende. Est-ce que cette dernière est en en fait supérieure à l'oeuvre? Peut-être, mais l'Histoire a décidé, et Dylan restera bien plus qu'un musicien.

Masters Of War

 

09:15 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 2007 |  Facebook |

05/10/2007

Joy Division - Unknown Pleasures (1979)

UnknownpleasuresAlors qu'on approche le trentième anniversaire du premier album de Joy Division, différents événements nous évoquent le groupe. La sortie du film Control, réalisé par Anton Corbijn, mais aussi la mort de Tony Wilson, le légendaire propriétaire de Factory Records et celui qui a découvert et popularisé Joy Division. Ces raisons sont amplement suffisantes pour se plonger dans un groupe exceptionnel, qui influence toujours des tonnes de groupes, notamment Interpol ou Editors.

Joy Division, c'est surtout Ian Curtis, génie disparu trop tôt, comme souvent. Il s'est pendu à 24 ans, d'une manière tristement prévisible. La musique, et les textes de Curtis n'étaient pas très marrants, et ont fini par être prophétiques. Unknown Pleasures, premier des deux albums du groupe, est sombre, glacial, romantique et mélancolique.

Ce n'est même pas la peine d'isoler un morceau, tant c'est l'ensemble qui est important, qui est impressionnant. La batterie métronymique et truffée de reverb, la basse lead de Peter Hook et les coups secs et brusques de la guitare de Bernard Sumner ont été fabuleusement mis en valeur par le producteur Martin Hannett, qui a créé une atmosphère tellement désagréable qu'elle en devient attirante. La voix de Curtis plane au dessus de tout cela, comme un Jim Morrison conscient de sa propre mortalité. Il suffit d'écouter la fin de Day Of The Lords, avec Curtis qui répète "Where will it end?" sans fin. Curtis, qui à une vingtaine d'années, était déjà capable d'écrire une terrible réflexion sur la vieillesse, le temps qui passe : Insight.

L'intensité ne diminue jamais, que dire de New Dawn Fades, de She's Lost Control (avec un intro électro en avance sur son temps), du caverneux Shadowplay. Le final enfonce le clou, si l'on peut dire : I Remember Nothing, 6 minutes puissantes, pleines de vie, de mort, de tout ce qu'il y a entre les deux. On dit souvent que certains albums peuvent changer une vie, ce qui est généralement ridicule, ou alors, ça prouve que la vie en question ne valait pas grand chose. Unknown Pleasures a changé des vies, et va encore continuer à le faire.


Interzone

01:32 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : 1979 |  Facebook |

30/09/2007

Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

PinkFloyd-album-piperatthegatesofdawn_300Pink Floyd. Je n'aime pas Pink Floyd. Les grandiloquences scéniques, les solos qui n'en finissent pas, The Wall, les morceaux connus, ceux qui ne le sont pas, Waters et Gilmour, tout ça, c'est pas mon domaine, vraiment pas. Oh, j'ai rien contre un peu de prog (mais un peu), mais là, non. Ceci dit, je considère Syd Barrett comme un excellent compositeur, qui a réussi à détruire quelques barrières avant de devenir littéralement dingo et passer les trente dernières années de sa vie en réclusion chez sa mère.

Barrett n'a en fait joué que sur le premier album de Pink floyd, avant qu'il soit effectivement remplacé par David Gilmour. The Piper At The Gates Of Dawn est aussi, mais de peu, le plus digeste. Car parfois, derrières les artifices, on trouve quelques chansons, et même des mélodies. Il faut parfois chercher, mais quand on se rend compte des progressions d'accords étranges et novatrices d'Astronony Domine, on n'est pas loin de crer au génie.

Et un génie, ça fait de tout. Y compris trafiquer les sons avec des échos et de la reverb, parler de son chat, balancer des solos de synthé à la masse (Richard Wright) et raconter la vue d'un gnobe s'appellant Grimble Gromble. Mais aussi tirer dix minutes d'un riff efficace mais limité (Interstellar Overdrive) ou faire quand même n'importe quoi (Pow R Toc H). D'un autre côté, Barrett est capable de sortir des pop songs par essence, comme The Gnome, Bike, ou les singles non album Arnold Payne et See Emily Play, deux deux plus grands moments du compositeur. On peut retrouver ces derniers dans la toute récente version 40ème anniversaire, qui comprend l'album en mono original, un mix stéréo et un troisième cd de singles, faces B et raretés.

Mais rien ne me fera changer d'avis : Pink Floyd me semble fort surrévalué, et même si Piper a ses moments, l'album est trop cinglé (et pas dans le bons sens) pour vraiment fonctionner. Dans cette optique, le pire restait à venir, mais je préfère ne pas m'y aventurer, vu le trolling probablement élevé que cet article va provoquer. Mais au moins, j'en aurai parlé.


Astronomy Domine
 

09:30 Écrit par Denis dans 1960s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1967 |  Facebook |

26/09/2007

Blondie - Parallel Lines (1978)

Blondie_-_Parallel_LinesÀ l'heure qu'il est, on doit sans doute être en train de remasteriser/fouiller les archives pour l'édition spéciale 30 ans à venir l'an prochain. Qu'importe, Parallel Lines est un de ces albums qui ne sonnera jamais daté, autant en parler maintenant. Pour des raisons imbéciles et sexistes, Blondie évoque souvent seulement Debbie Harry, et le reste, on devrait s'en foutre pas mal. Ben non, on ne s'en fout pas, parce que non seulement c'est un des meilleurs albums des seventies, mais aussi et surtout un précurseur New Wave qui fera encore des vagues vingt ans plus tard, quand des gosses new yorkais pas encore appelés The Strokes trouvent l'album par hasard.

Il suffit de comparer le premier - et meilleur - album des Strokes à ceci. Même désintéressement apparent et froid du vocaliste, mêmes guitares acérées et minimalistes, même rythme sec, même basse bondissante. Avec des différences, forcément, mais l'influence est telle qu'il est impossible de ne pas la remarquer. La pochette d'Is This It, malgré la tentative, restera nettement moins iconique que celle de Parallel Lines, qui voit la reine de glace, Debbie Harry, devancer ses discrets compères (dont même le look inspirera les Strokes) sera devant un fond de lignes parallèles noires et blanches. Un classique.

Debbie Harry, donc. Sex appeal sur vinyl (ou cassette, ou cd, même sur mp3). Il suffit de l'écouter sur One Way Or Another, et puis se demander ce qu'on a pu trouver à Madonna. Quand elle ne prend pas ce ton détaché, elle subit l'influence des groupes pop 60s (Picture This) ou se lance dans le légendaire falsetto démoniaque de Heart Of Glass. Mais malgré ce dernier, Parallel Lines n'est pas pop pour un sou : même s'il reprend quelques uns des tubes du groupe, on retrouve suffisamment d'innovations étonnantes, comme l'intro synthé/guitare immense de I Know But I Don't Know, 1978 personnifié, les beats (oui, beats) de Fade Away And Radiate ou le heavy metal vs le thème de Batman (série TV) qu'est Will Anything Happen. Ou le rock n roll pur I'm Gonna Love You : pas innovant mais totalement jouissif. Un seul point noir : du au succès en club du 12" Disco Remix de Heart Of Glass, quasi toutes les versions de l'album comprennent ce remix, inutilement alongé. Mais cela tient plus du détail.


Parallel Lines est un album stupéfiant, qui, s'il devait sortir la semaine prochaine, ne perdrait rien de sa fraîcheur, ce qui représente un cas de figure excessivement rare. Définitivement un des meilleurs albums de la période, et dont l'influence ne s'est jamais démentie à ce jour.
 
 
I Know But I Don't Know 

10:00 Écrit par Denis dans 1970s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1978 |  Facebook |

19/09/2007

Alanis Morissette - Jagged Little Pill (1995)

AlanisMorissetteJaggedLittlePillJagged Little Pill n'est pas le premier album d'Alanis Morissette. Elle avait déjà sorti deux albums de dance pop, sortis uniquement au Canada. Mais tout le monde s'en fiche, et pour une fois le monde a bien raison. JLP est carrément le deuxième album le mieux vendu des 90s et le dixième de tous les temps. Étrangement, il est très bon, et c'est aussi un des albums qui me rappellent mon adolescence. Ajouté au fait qu'une fidèle lectrice me l'a suggéré, je ne pouvais qu'en parler.

En 1995, Alanis n'était pas encore suffisamment cinglée pour tourner une vidéo à poil, ou la meilleure parodie de l'histoire connue de l'humanité (si), mais elle était vachement en colère. Si les Spice Girls (vous vous souvenez? Elles reviennent...) revendiquaient le girl power, alors Alanis, c'était Little Boy et Fat Man puissance dix. Les deux premiers morceaux, All I Really Want et le tube You Oughtta Know sont des attaques d'une violence inouïe contre un ex-petit ami.

La suite, et en fait, quasi tout l'album poursuit sur la même thème. Encore fallait-il pouvoir en faire un bon album. Et même si les compositions (d'Alanis et Glen Ballard) ne sont pas très aventureuses, elles sont très efficaces, tout comme le groupe qui l'entoure (et qui comprend un certain Taylor Hawkins, futur Foo Fighter). Alanis montre que le ressentiment et la haine peuvent sonner très sexy, et sa manière d'écrire ses textes était originale et rafraîchissante.

Est-ce pour autant un chef d'oeuvre? C'est sans doute le meilleur album de la Canadienne, qui aura progressivement disparu du spectre pop rock actuel. C'est aussi un album relativement brutal, en tout cas par rapport aux ventes ahurissantes. C'est sans doute l'album le plus bruyant et le plus agressif de pas mal de collections plus habituées à Whitney Houston et Shania Twain. Même si cela reste un album de rock assez basique et peu innovant, il montre toutefois un réel talent. De plus, Jagged Little Pill réussit à garder un niveau appréciable jusqu'à la fin, n'a pas vieilli pour un sou, et la piste cachée Your House est toujours aussi chair de poulante. Ca tombe bien, je n'avais pas envie de dire du mal aujourd'hui.

 

Forgiven

01:28 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (2) | Tags : 1995 |  Facebook |

14/09/2007

Led Zeppelin - II (1969)

600px-LedZeppelinLedZeppelinIIalbumcoverJe le jure, je ne l'ai pas fait exprès, mais le timing est intéressant : je voulais écrire sur Led Zeppelin depuis longtemps, et maintenant que je le fais, ils annoncent une reformation exceptionnelle pour laquelle plus de 20 millions de personnes ont demandé des places, en quelques heures. 20 millions. Écrire sur Led Zep, c'est bien, se décider quel album choisir, c'est autre chose. Je m'occuperai probablement de quelques autres plus tard, mais aujourd'hui, ça sera le second album, II. Pourquoi? Tirage au sort entre les quatre premiers. Ceci dit, le sort est parfois heureux. II est l'album qui a cimenté la place de Led Zeppelin dans l'histoire, et notamment grâce au morceau de pure folie qui entame celui-ci, Whole Lotta Love. 

Le riff de Robert Plant est monumental, la basse de John Paul Jones fait l'effet d'un rouleau compresseur, et la production de Jimmy Page, qui alterne les guitares entre les canaux droit et gauche rendent ce morceau complètement cinglé, mais terriblement mémorable. Encore plus dingue est le pont, où Robert Plant râle et gémit de manière tellement suggestive qu'on a surnommé cette partie "la section de l'orgasme". Orgasme, ça l'a clairement été pour le rock n roll, qui y trouve un de ses meilleurs morceaux. Difficile, voire complètement impossible de suivre un tel monument, mais Led Zeppelin fait mieux qu'essayer.

The Lemon Song envoie quelques références sexuelles subtiles, une des spécialités du groupe (après le "backdoor man" de Whole Lotta Love, Plant propose qu'on presse son citron jusqu'à ce que le jus coule...), mais rien, absolument rien ne pourrait détourner l'attention de la basse de Jones, qui est invraisemblable tout au long du morceau. Et dire qu'il a apparemment tout improvisé. Autre spécialité du groupe, mais pour laquelle on ne peut pas vraiment leur en tenir rigueur, c'est l'emprunt très peu subtil de paroles ou de sections entières d'autres morceaux. Ainsi, le début de Thank You est directement volé à Jimi Hendrix : cela reste une ballade sublime, menée par l'orgue d'un omniprésent John Paul Jones.

Heartbreaker montre le retour du riff mortel, accompagné d'un solo improvisé, rythmé par l'incroyable John Bonham, qui marquera de son empreinte l'instrumental Moby Dick : en concert, son solo de batterie pouvait durer trente minutes et se finissait souvent par un Bonham poings en sang, ayant fini sans ses baguettes lancés dans le public. On a pas ça dans un concert de Fall Out Boy. Quoi encore.. Ramble On raconte le plus simplement du monde l'histoire de Frodo Baggins (à la première personne, rien que ça). Le blues/rock/blues Bring It On Home clôture avec une classe folle un album d'une classe folle.

Led Zep allait encore être plus dingue, plus excessif, jusqu'au point de non retour. Reformation, tournée, nouvel album, qu'importe. Quel est le meilleur album, on s'en fout. Jimmy Page a-t-il vendu son âme à Sean "Satan" Combs, quoi d'autre.

II est un des albums les plus importants de l'histoire de la musique, point. 

 
Whole Lotta Love

 

12:08 Écrit par Denis dans 1960s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 1969 |  Facebook |

10/09/2007

The Verve - Urban Hymns (1997)

TheVerveUrbanHymnsUrban Hymns est un mythe, une légende, et un des tous grands classiques du rock anglais. Il a été quasi unanimement élu album de l'année 97, malgré qu'OK Computer soit sorti la même année. Le fait que le groupe s'est effondré peu de temps après, et vient d'annoncer se reformation est un bon pretexte pour le revisiter.

Non seulement Urban Hymns est solide en tant qu'album, mais il comprend aussi, et surtout, un hit immense : Bitter Sweet Symphony. Il ouvre l'album, tout le monde le connaît, et dix ans après il n'a pas pris une ride. Le morceau est pourtant très simple : une boucle de violons empruntés à une orchestration des Stones (qui ont scandaleusement voulu l'entièreté des bénéfices), un rythme régulier et la voix de Richard Ashcroft, clamant ses réflexions sur le sens de la vie. Formule parfaite pour morceau parfait. Mais si l'on croit que le groupe es relativement limité, la suite de l'album va prouver le contraire, comme Sonnet, qui est, au risque de me répéter magnifique, dans un mid-tempo poignant. Qui avait besoin, ces années-là, de Liam Gallagher, quand on entend ça?

Les deux premiers albums du groupe étaient moins Britpop et plus atmosphériques, éléments qui se retrouvent tout au long de l'album, surtout dans les morceaux qui ne sont pas sortis en single, et qui sont généralement plus rock, comme The Rolling People, ou Catching The Butterfly. Mais c'est sans doute The Drugs Don't Work qui domine ici, histoire forcément vécue, et qui devrait être un classique au moins aussi intemporel que Wonderwall. L'expression parfaite de l'âme humaine traduite en accords et en mots. Le genre de chanson qui fiche la chair de poule à chaque fois, et qui fait qu'on s'arrête dès qu'elle commence, pour l'écouter jusqu'au bout. Terrible.

Forcément, tout l'album n'atteint pas ce niveau, et ce n'est d'ailleurs pas son but : le groupe aime se complaire dans une certaine ambiance éthérée, aux antipodes de la Britpop de l'époque, comme dans un Neon Wilderness frôlant la rythmique trip-hop. Urban Hymns est l'album le moins tubesque de la période Britpop, contrairement à, par exemple (What's The Story) Morning Glory? ou The Great Escape, chaque morceau n'est pas un single potentiel. Mais c'est aussi le plus dense, peut-être le plus authentique. La seconde moitié est d'ailleurs nettement moins accessible que la première, à l'exception du single Lucky Man, sans doute le moins potent des quatre. One Day continue dans le sublime, et arriverait, si comparaison devait être faite, aisément au dessus des tubes surévalués de U2, par exemple.

Urban Hymns ne comprend pas vraiment de morceau de remplissage, même si les fans des singles ont sans doute été surpris par le reste de l'album. Come On conclut l'album par un déferlement de guitares limite shoegaze, et le fait très bien, comme le meilleur morceau qu'Oasis n'aura jamai eu le talent de créer. Comme évoqué plus haut, le groupe s'est violemment séparé, et à part quelques albums mineurs pour Ashcroft et la pige de Simon Tong chez Damon Albarn, on a plus entendu grand chose des cinq de Wigan, jusqu'à une reformation qu'on espère motivée, pour une fois...

 

The Drugs Don't Work

10:01 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : 1997 |  Facebook |

06/09/2007

Grandaddy - The Sophtware Slump (2000)

TheSophtwareSlumpCoverAprès une dizaine d'années d'activité, Grandaddy a mis la clé sous le paillasson l'an dernier. The Sophtware Slump est généralement considéré comme leur meilleur album, et est en tout cas un disque attachant et digne d'intérêt.

Le monde de Grandaddy est celui du frontman Jason Lytle et de son univers étrange, ici fait de robots humanoïdes poètes, d'ambiances sci-fi, de guitares lo-fi et d'une voix particulière rappellant Neil Young, à défaut d'une meilleure comparaison. Même si quelques extraits valent clairement le détour, c'est le tout qui fait de The Sophtware Slump un album majeure, et une des pierre d'achoppement de l'indie US des années 2000.

Les choses ne se passent pas facilement, et ce dès le départ : He's Simple He's Dumb He's The Pilot ouvre l'album et dure presque neuf minutes, en passant par différents mouvements, reliés par une ambiance particulière, qui se retrouvera tout au long de l'album. Samples, claviers sortis de Silicon Valley et feedback rêveur en ferait la bande originale parfaite pour un western steampunk (en voilà une idée, tiens). Il est difficile de pointer des influences particulières, mais cette façon de bricoler des morceaux charmants à partir de pas grand chose reste mémorable, comme les deux imparables Hewlett's Daughter et The Crystal Lake, où la voix très touchante de Lytle est mélancolique à souhait.

L'album comprend aussi des ballades qui semblent mener nulle part, et qui content des histoires surréalistes de robots et de nettoyage d'égouts, tout comme des morceaux nettement plus rentre dedans, avec des guitares maltraitées qui sonnent plus lo-fi qu'une démo de Dinosaur Jr. Broken Household Appliance National Forest combine les deux, alliance improbable de pédales fuzz et de micro-ondes dysfonctionnels.

Grandaddy fut un groupe attachant, qui, sans jamais trouver une large audience (et sans la chercher, non plus), aura réussi une bien belle carrière, influençant nombre de formations indie contemporains, tout en restant éminemment écoutable aujourd'hui. Respect.


The Crystal Lake

10:00 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : 2000 |  Facebook |

02/09/2007

Pearl Jam - Lost Dogs et autres raretés (1990-2007) + conclusion

PearlJam-LostdogscoverDouble avantage pour ceux qui suivent Pearl Jam : outre les albums, quelques morceaux excellents sont répartis sur singles et BOF, et ansuite, le tout est assez facile à trouver.

La majorité des raretés est reprise sur Lost Dogs, double album sorti en 2003 et alliant faces B et raretés connues à des chutes de studio inédites. Clairement pas l'endroit où un néophyte doit commencer, il reste totalement incontournable. Une bonne moitié des morceaux ici auraient très largement pu se retrouver sur album, tandis que l'autre moitié n'était sans doute pas faite pour ça, comme Sweet Lew, ode à Kareem Abdul-Jabbar chantée par Jeff Ament. Sad, Fatal, Education, Undone, Down, Alone, Hard To Imagine, Footsteps, Wash ou l'évident Yellow Ledbetter sont autant de classiques absolus qui méritaient mieux que l'anonymat d'une face B ou pire, le purgatoire d'une cave de stockage d'enregistrements studio. On peut donc avoir un aperçu assez complet de la carrière  hors albums de Pearl Jam sans devoir traquer singles et disques de Noël, et on a même en prime une vraie nouveauté, 4/20/02, morceau dédié à Layne Staley.

Mais Lost Dogs, aussi intéressant qu'il est, n'est pas exhaustif, et au moins six morceaux supplémentaires doivent figurer dans la discographie. D'abord, la classique bande originale de Singles, comprenant les non moins classiques State Of Love And Trust et Breath (entre des morceaux d'Alice In Chains, Soundgarden, Smashing Pumpkins ou Screaming Trees), l'EP Merkinball enregistré avec Neil Young, lorsque Pearl Jam était son backing band (pour Mirrorball), ainsi que deux autres extraits de BO : Man Of The Hour (Big Fish) et Love Reign O'er Me (reprise des Who, Reign O'er Me). Et il reste aussi les dizaines de reprises faites par le groupe en concert, où leurs centaines de concerts sortis officiellement. Mais ça, c'est un boulot à plein temps ;)

Voilà qui conclut quelques semaines d'exploration du catalogue de Pearl Jam, qui avait comme but avoué de trouver quel était mon album préféré du groupe, voire "le meilleur". Impossible de répondre à cette dernière question, je vais donc résumer MON OPINION (emphase pour les lourds) de chaque album en trois mots maximums.

Ten : quasi inécoutable aujourd'hui
Vs : rage
Vitalogy : coeur
No Code : tête, mon préféré
Yield : finesse
Binaural : classe
Riot Act : mal-être
Pearl Jam : démonstration


Sad

09:45 Écrit par Denis dans 1990s | Lien permanent | Commentaires (0) |  Facebook |

20/08/2007

Pearl Jam - Pearl Jam (2006)

PearlJam1Huitième et dernier album en date de Pearl Jam, Pearl Jam (surnommé Avocado à cause de sa pochette minimaliste) est aussi celui qui a pris le plus de temps à sortir : presque quatre ans l'ont séparé de Riot Act. Durant ces quatre années, ils ont publié des albums live, une compile de raretés et ils ont quitté leur maison de disques, qui s'est d'ailleurs empressé de sortir un best of. Une interview de McCready, où il comparait leur état d'esprit en studio avec celui de la période Vs a mis le feu aux poudres : c'était un retour aux sources ou quelque chose du genre, voire pire : un retour en forme. Il n'est n'est rien : même si, comme on va le voir, l'album peut se rapprocher de leurs débuts, il reste un opus encore particulier et différent de ce que Pearl Jam a commis auparavant.

Ceci dit, ce qui saute aux yeux (ou aux oreilles...) quand on écoute l'album pour la première fois, c'est évidemment le début. Jamais dans l'histoire du groupe un album n'avait été aussi puissant d'entrée, alignant cinq morceaux rock très remuants. Life Wasted emprunte le riff de Rockaway Beach pour rendre un hommage à Johnny Ramone, proche ami de Vedder qui sert ici d'exemple pour une représentation qui va du particulier au général, comme souvent chez lui, alors que le single World Wide Suicide emprunte le même schéma narratif pour critique l'administration Bush, qui ne s'est pas vraiment améliorée depuis Riot Act. Comatose va encore un cran plus loin, c'est carrément le morceau le plus violent (à défaut d'un meilleur terme) du groupe, du pur punk. Severed Hand allie histoire de drogue et riff familier (Porch recyclé avec brio) alors que Marker In The Sand termine cette longue salve en interrogeant un Dieu soit inexistant soit totalement impuissant et invisible.

Après les expériences de No Code, le minimalisme de Yield et ce qui a suivi, on est autant surpris que ravis de retrouver Pearl Jam aussi à l'aise. Riot Act montrait un groupe introverti, presque timoré : Pearl Jam ressort l'arsenal rock, et le fait mieux que quiconque. Mais la relative simplicité de ces premiers morceaux n'est nullement un indicateur pour la suite. Parachutes ne peut être plus différent de ce qui précède, ballade tout en douceur et étonnamment positive, malgré les références à la guerre. Simple chanson d'amour, elle montre l'étonnante capacité de composition de Stone Gossard, définitivement un des meilleurs songwriters contemporains, maître du riff incontestable et aussi à l'aise dans les rockers énormes que dans les ballades intimes. "What a different life had I not found this love with you", chante Vedder, qui passe des métaphores complexes aux sentiments purs, exprimés simplement.

Par contre, Unemployable raconte une histoire, très Springsteenesque d'ailleurs, d'un brave homme qui perd son boulot et qui se demande comment il va pouvoir nourrir sa famille. Des images marquantes et une compositions de rock classique (certainement la meilleure de Matt Cameron depuis son arrivée à bord) en font un autre morceau atypique qui élargit encore un peu plus la palette de Pearl Jam.

Palette qui se rétracte durant Big Wave, simple morceau rock qui allie deux des thèmes favoris de Vedder, le surf et l'évolution. Étrangement, ça marche, mais Big Wave reste un des morceaux mineurs de l'album, tout comme Wasted Reprise, qui reprend le thème de Life Wasted avec l'orgue de Boom Gaspar comme seul accompagnement. Entre les deux, Gone peine à trouver sa place, débutant comme ballade introspective et pittoresque mais se perdant peut-être dans un trop plein sonore. Mais c'est sans doute parce que la démo solo de Vedder était supérieure au produit fini.

Typiquement, la fin de l'album est très forte. Army Reserve s'adresse aux familles des disparus et des soldats de la dernière croisade américaine, le tout sous des guitares fortement travaillées à coup de délai, un délai qui rappelle celui de The Edge quand son groupe servait encore à quelque chose. Come Back est peut-être la ballade la plus triste depuis Black, dédiée elle aussi à Johnny Ramone. Malheureusement, tout la passion injectée au morceau ne lui fait pas atteindre le niveau de son précédesseur, malgré un coda poignant ("it's ok..."). C'est une fois de plus le dernier morceau qui cloue sur place. Composé (y compris paroles, pour la première fois) par Mike McCready, Inside Job est très différent, et incomparable. Une longue intro presque prog, et un morceau qui se développe pendant sept minutes, pour se révéler être le morceau épique que McCready tentait de composer depuis Present Tense. Réussite éclatante, et fin d'album tout aussi impressionnante.

Pearl Jam, l'album, n'est pas plus un retour aux sources que le meilleur album du groupe. C'est simplement un huitième excellent album de rock pour Pearl Jam, un des plus grands groupes contemporains, ce qui ne souffre d'aucune discussion. D'autres choses sont discutables, comme combien de temps il faudra pour qu'ils sortent le neuvième, ou la question sempiternelle, qui était la cause de ces huit articles : quel est le meilleur album de Pearl Jam.

Ma réponse hautement personnelle et subjective sera le sujet du prochain article, qui reprendra également les incontournables morceaux hors album et la conclusion de ces quelques semaines.
 
 
Comatose

17:13 Écrit par Denis dans 2000s | Lien permanent | Commentaires (1) | Tags : 2006 |  Facebook |